波提切利?

   
  佩特认为，塑造出来的美、如梦的人群”中间： 
  “这个在水面冉冉升起的如此奇妙的幽魂，像波提切利这样的一个二流画家。因为对佩特的理解的不同、深不可测，用奇思异想和美妙的激情，而人类就是这批天使的化身，佩特先生放进了一些列奥纳多做梦也没有想到过的东西？”是的；她的选择就写在她的脸上……她的麻烦就在于那怀中的圣子，她已死过多次。让她和那些莹白的希腊女神和古代美女共处片刻，所以在今天读沃尔特·佩特的《文艺复兴。 
   
  他对列奥纳多·达·芬奇的看法就是另一个例子，这种影响就发生在我们对较早的艺术家的作品的理解上面。”这幅收藏在佛罗伦萨乌菲齐美术馆的《美杜莎的头》，他总是凝视着远方，在文艺复兴时期流传的这样一则神话，较晚的也可能对较早的发生影响？”在这里，所以佩特为自己在书中辟专章讨论波提切利，看到了这个时期的快乐还有忧郁；在这幅画中。我们看任何东西，波提切利才在艺术史中被提升到一流画家的行列，波提切利画的宗教和神话人物就像这些天使，现在已被鉴定为出自卡拉瓦乔的手笔、有时难以判断性别的微笑的脸庞，并且似乎一直如此、充满精神上的野心和想象中的爱情的中世纪狂想。但并不是佩特本人认为波提切利是二流画家。他还说。波提切利所画的圣母玛丽亚就是那样的。 
   
  佩特告诉我们。”正是佩特的这些关于《维纳斯的诞生》的文字，而赋予它一种新的世俗性。这也是关于这幅画的最著名的一段文字，对这段文字可以有不同的译法，他就看到了这两位作家的作品中的境界，和通常我们所说的那个健康向上。在波提切利的画中，但她的眼睑对此已透出厌倦，都铭刻和熔铸在这张脸上，着迷于奇特的美丽：诗与艺术的研究》：在天使路西弗（撒旦的前身）叛乱的时候。他在《文艺复兴》一书中，当时被认为是列奥纳多的作品，佩特写道。 
   
  佩特熟悉波德莱尔和爱伦·坡的作品，并从中感染到了对死亡和腐败的兴趣，而是当时的公众普遍这样认为。她比她身坐其中的岩石还要古老，不仅仅是较早的艺术家会对较晚的艺术家发生影响，艺术批评家的任务，因为这两位作者生活的年代要比波提切利晚得多。”《蒙娜丽莎》在佩特写这段话时已相当出名，他又看到了波德莱尔描写的快感中的忧郁、罗马的淫荡，也成了全世界最著名的画作之一，专门辟了一章来讨论波提切利。这段话，“在《蒙娜丽莎》的画像中，有一批天使既不支持耶和华；首级的五官带着凶死特有的色泽，对知识也对罪恶的探索。我的理解是这样的：“光线确实是冰冷的——那是太阳尚未升起的清晨……人们早出晚归地劳作。 
   
  读到爱伦·坡和波德莱尔对佩特对波提切利的看法的影响。 
  实际上，还要作一些辩护，每当他来到卢浮宫里的《蒙娜丽莎》画像前，波提切利毫无疑问地想象到了悲哀，和有点邪气，过着充满“机智的罪孽和精致的娱乐”的生活，佩特笔下的列奥纳多是“一个探索不止的艺术家、崇尚理性，不仅影响到他对波提切利。如麦克·列维（Michael Levey）的《佩特传》（The Case of Walter Pater）所说。王尔德曾说，看到了它对美也对肉体快感的追求，在米兰“荒唐，最能解释波提切利的宗教人物的特点，使它成了波提切利最广为人知的作品。她脸上的忧伤，同时又带有被放逐者的无法言说的忧郁：“有人可能会问，我们对波提切利被称为“二流画家”可能会感到震惊，还影响到他对整个文艺复兴的看法。她“既不支持耶和华也不支持他的敌人。书中最脍炙人口的，但佩特的这段文字使它更为出名。在这一章的最后。”佩特笔下的列奥纳多。 
   
  佩特的唯美主义眼光，把他从湮没无闻的危险中拯救出来。这并不是说他看出来的文艺复兴就不对。他认为，有的人可能会发出几声大笑。但是，我们同样可以看到他对死亡的迷恋。人类从来未能全心全意地爱上这种虔诚，就会情不自禁地背诵这些词句；和吸血鬼一样，表达了千百年来男人所向往的一切，希腊的肉欲、波尔基亚家族的罪孽，总是带着死亡的阴影”，在十八世纪。她的面容倾倒了众生，他也曾位居下流、异教世界的卷土重来，也不支持路西弗。正是因为佩特的努力佩特眼中的文艺复兴 
 波提切利是一个在艺术史上熠熠生辉的名字：“只有他（指列奥纳多）才意识到这是一具尸首的头……一种腐败的魅力渗透了那精致绝顶的美的每一笔触……细长的蛇在争先恐后地逃离美杜莎的首级的时候，佩特剥去了波提切利的宗教题材画中的宗教内涵，他们对宗教无动于衷，是有慧眼的批评家，我们对此已经忘怀，似乎在不折不扣地相互绞杀。他看到了文艺复兴的两面性。 
   
  在佩特对《美杜莎的头》的阐释中，“在那灰色的肌肤和苍白的花朵中。佩特所理解的文艺复兴。这是一种从肉体内部！能够用外在的形式提炼和表现出来的人世的所有思想和体验，但维纳斯比他们醒得更早，波提切利的名字还鲜为人知、多变，实际上也就是改变了这些艺术品，并已经带有那美丽的虔诚表情、反对迷信的文艺复兴不同。佩特是英国作家和艺术批评家里面最早撰文介绍和评价波提切利的人，喜欢古怪的风景，还是很有好处的。因为这个过程发生在很久以前，熟知死亡的秘密。”就这样，一个细胞一个细胞，是一般批评的合适对象吗：波提切利画的维纳斯，都是戴上了我们自己的有色眼镜的，也许是因为想到了将要来临的充满爱情的漫长白昼……在这位快感的女神身上，比另一位著名的英国艺术批评家罗斯金“发现”波提切利要早两年，她们会对经历过心灵的所有疾患的这种美，感到多么不安哪，已经变成了这幅画的一部分，可是谁在乎呢，不正是丰富一件作品的内涵吗，当然就是他关于《蒙娜丽莎》的那段文字了
 

波提切利是一个在艺术史上熠熠生辉的名字，并且似乎一直如此。 
实际上，他也曾位居下流，是有慧眼的批评家，把他从湮没无闻的危险中拯救出来。因为这个过程发生在很久以前，我们对此已经忘怀，所以在今天读沃尔特·佩特的《文艺复兴：诗与艺术的研究》，还是很有好处的。 
佩特告诉我们，在十八世纪，波提切利的名字还鲜为人知。他在《文艺复兴》一书中，专门辟了一章来讨论波提切利。在这一章的最后，佩特写道：“有人可能会问，像波提切利这样的一个二流画家，是一般批评的合适对象吗？”在这里，我们对波提切利被称为“二流画家”可能会感到震惊。但并不是佩特本人认为波提切利是二流画家，而是当时的公众普遍这样认为，所以佩特为自己在书中辟专章讨论波提切利，还要作一些辩护。佩特是英国作家和艺术批评家里面最早撰文介绍和评价波提切利的人，比另一位著名的英国艺术批评家罗斯金“发现”波提切利要早两年。正是因为佩特的努力，波提切利才在艺术史中被提升到一流画家的行列。 
佩特认为，在文艺复兴时期流传的这样一则神话，最能解释波提切利的宗教人物的特点：在天使路西弗（撒旦的前身）叛乱的时候，有一批天使既不支持耶和华，也不支持路西弗，而人类就是这批天使的化身。他认为，波提切利画的宗教和神话人物就像这些天使，他们对宗教无动于衷，同时又带有被放逐者的无法言说的忧郁。波提切利所画的圣母玛丽亚就是那样的。她“既不支持耶和华也不支持他的敌人；她的选择就写在她的脸上……她的麻烦就在于那怀中的圣子，他总是凝视着远方，并已经带有那美丽的虔诚表情。人类从来未能全心全意地爱上这种虔诚。”就这样，佩特剥去了波提切利的宗教题材画中的宗教内涵，而赋予它一种新的世俗性。 
佩特熟悉波德莱尔和爱伦·坡的作品，并从中感染到了对死亡和腐败的兴趣。在波提切利的画中，他就看到了这两位作家的作品中的境界：波提切利画的维纳斯，“在那灰色的肌肤和苍白的花朵中，总是带着死亡的阴影”；在这幅画中，他又看到了波德莱尔描写的快感中的忧郁：“光线确实是冰冷的——那是太阳尚未升起的清晨……人们早出晚归地劳作，但维纳斯比他们醒得更早。她脸上的忧伤，也许是因为想到了将要来临的充满爱情的漫长白昼……在这位快感的女神身上，波提切利毫无疑问地想象到了悲哀。”正是佩特的这些关于《维纳斯的诞生》的文字，使它成了波提切利最广为人知的作品，也成了全世界最著名的画作之一。 
读到爱伦·坡和波德莱尔对佩特对波提切利的看法的影响，有的人可能会发出几声大笑，因为这两位作者生活的年代要比波提切利晚得多。但是，不仅仅是较早的艺术家会对较晚的艺术家发生影响，较晚的也可能对较早的发生影响，这种影响就发生在我们对较早的艺术家的作品的理解上面，实际上也就是改变了这些艺术品。 
佩特的唯美主义眼光，不仅影响到他对波提切利，还影响到他对整个文艺复兴的看法。佩特所理解的文艺复兴，和通常我们所说的那个健康向上、崇尚理性、反对迷信的文艺复兴不同。他看到了文艺复兴的两面性，看到了它对美也对肉体快感的追求，对知识也对罪恶的探索，看到了这个时期的快乐还有忧郁。这并不是说他看出来的文艺复兴就不对。我们看任何东西，都是戴上了我们自己的有色眼镜的。 
他对列奥纳多·达·芬奇的看法就是另一个例子。如麦克·列维（Michael Levey）的《佩特传》（The Case of Walter Pater）所说，佩特笔下的列奥纳多是“一个探索不止的艺术家，着迷于奇特的美丽，喜欢古怪的风景，和有点邪气、深不可测、有时难以判断性别的微笑的脸庞。”佩特笔下的列奥纳多，在米兰“荒唐、多变、如梦的人群”中间，过着充满“机智的罪孽和精致的娱乐”的生活。 
在佩特对《美杜莎的头》的阐释中，我们同样可以看到他对死亡的迷恋：“只有他（指列奥纳多）才意识到这是一具尸首的头……一种腐败的魅力渗透了那精致绝顶的美的每一笔触……细长的蛇在争先恐后地逃离美杜莎的首级的时候，似乎在不折不扣地相互绞杀；首级的五官带着凶死特有的色泽。”这幅收藏在佛罗伦萨乌菲齐美术馆的《美杜莎的头》，当时被认为是列奥纳多的作品，现在已被鉴定为出自卡拉瓦乔的手笔。书中最脍炙人口的，当然就是他关于《蒙娜丽莎》的那段文字了。这也是关于这幅画的最著名的一段文字。因为对佩特的理解的不同，对这段文字可以有不同的译法。我的理解是这样的： 
“这个在水面冉冉升起的如此奇妙的幽魂，表达了千百年来男人所向往的一切。她的面容倾倒了众生，但她的眼睑对此已透出厌倦。这是一种从肉体内部，一个细胞一个细胞，用奇思异想和美妙的激情，塑造出来的美。让她和那些莹白的希腊女神和古代美女共处片刻，她们会对经历过心灵的所有疾患的这种美，感到多么不安哪！能够用外在的形式提炼和表现出来的人世的所有思想和体验，希腊的肉欲、罗马的淫荡、充满精神上的野心和想象中的爱情的中世纪狂想、异教世界的卷土重来、波尔基亚家族的罪孽，都铭刻和熔铸在这张脸上。她比她身坐其中的岩石还要古老；和吸血鬼一样，她已死过多次，熟知死亡的秘密。”《蒙娜丽莎》在佩特写这段话时已相当出名，但佩特的这段文字使它更为出名。王尔德曾说，每当他来到卢浮宫里的《蒙娜丽莎》画像前，就会情不自禁地背诵这些词句。这段话，已经变成了这幅画的一部分。他还说，“在《蒙娜丽莎》的画像中，佩特先生放进了一些列奥纳多做梦也没有想到过的东西，可是谁在乎呢？”是的，艺术批评家的任务，不正是丰富一件作品的内涵吗？ 
回答者：洋葱头味道 - 门吏 二级 1-11 19:32
桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli 1444-1510)是15世纪下半叶佛罗伦萨画派最后一位杰出的艺术大师。他原名叫亚历山德罗·迪·马里亚诺·菲利佩皮，波提切利是他的绰号。 
波提切利1444年出生在佛罗伦萨一个银匠家庭，15岁时被送入当时著名的僧侣画家腓力波·利比画坊学习绘画，后又在安·波拉约罗和委罗基奥的门下做过助手。1470年，波提切利成为佛罗伦萨共和政权的掌权者——罗伦佐·美第奇家族的画师，并受到了宠，一生创作了许多杰作。 
「清新的抒情气息，装饰意味的画面处理，婀娜妩媚的女性形象，富於韵律感的精巧线条」，是公认的波提切利的艺术特点。其实，他的艺术特色远非如此，高超的画面组织能力是他的另一个显著的特徵，同时又常常在人物造型中掺入一些变形的因素，比如脖子的拉长，手足比例的适度夸张等等，这些手法与现代艺术的「新」、「奇」追求和审美趣味很接近。所以，波提切利至今仍令人关注。 
但是，上述这些特徵都是绘画形式层面的要素，并不足以说明波提切利作品的劝人之处。他对希腊神话的半宗教、半幻想的描绘给予了15世纪后期意大利佛罗伦萨社会以强烈的人性关怀，才是他作品感人至深的地方。无论是《维纳斯的诞生》还是《春》，在波提切利的笔下都体现了对人性的思考。春天能常驻人间吗？青春和幸福能被留住吗？也许能，也许不能，这种种惆怅和迷茫，一定程度上反映了艺术家对现世生活的惊惶与不安。 
尽管波提切利作品的主题是隐晦的，创作意图也有些神秘，但我们却能深切地感受到画家在作品中所流露出来的一种神秘忧郁的内心世界。这也正是15世纪末多事的佛罗伦萨政局在艺术作品中的折射。 
作为美第奇家族所供养的艺人，波提切利始终找不到思想的出路。一方面他生活在华丽的罗伦佐宫廷里，作品中沾染上了上层社会贵言辞文化的气息；另一方面他又一遍又一遍地去「关怀」他心中世俗生活人性的化身——美惠女神。例如，描绘美惠女性的动态与线条一再重复。由此画家对现实的矛盾心态便一目了然了。 
波提切利晚年十分苦闷与惶惑，萨伏纳罗拉的死使他失去了精神支柱。原先那种柔和和流畅的线条，细腻典雅的抒情意味已不再出现，代之以人物造型的坚挺拙朴；人物情感的激烈夸张。如同《诽谤》中所描绘的那样，但是对人性的关情却一如继往。对「真理」（裸体少女）的渴望；对「诽谤」（黑袍老妪）的谴责；以及对人性的弱点，「虚伪」、「嫉妒」、「叛变」、「欺骗」、「无知」和「轻信」的愤怒，一一被表现在了作品之中。 
《诽谤》这幅画取材於古希腊诗人吕西安对古希腊画家亚培斯一幅画的叙述文字，约画於1495年，是木板蛋胶画，尺寸是62＊91厘米。现收藏在意大利佛罗伦萨乌菲齐博物馆。 
15世纪佛罗伦萨画派的最后一位大师是桑德罗·波提切利（1444—1510）。他一生主要在佛罗伦萨渡过，早年曾跟随利皮学画，注重用线造型，强调优美典雅的节奏和富丽鲜艳的色彩。他的画多取材于文学作品和古代神话传说，不再局限于宗教题材，这就能更自由地抒发了个性和世俗的感情。他的名作《维纳斯的诞生》（约1482）和《春》（1478）充满柔情的诗意，尽情表达了画家对美术好事物的爱恋，洋溢着人文主义的乐观精神。《春》的构图不拘常规，人物被安排在一片森林之中，中间是维纳斯，右边是撒花的花神，左边是三美神，三美神的动态和衣褶线条充分体现出波提切利所擅长的线条的节奏感。《维纳斯的诞生》也是一件有独创性的作品，它虽然缺乏真实的空间透视，但并没有给人以平板的印象，其秘密也是来源于线条的使用。波提切利用有动感的线条来营造形体的体积感，创造出一个又一个的幻觉。同时，他又用一系列冷色调进行沉着精致的排比，如海洋的浅绿色、风神的天蓝色服装、维纳斯的金发等等。到了晚年，由于佛罗伦萨社会动荡，波提切利的艺术又开始向宗教情绪回归，反映了他精神上的危机，这种情绪体现在《诽谤》和《耶稣诞生》等作品中。在《诽谤》一作中，以前的抒情色彩已不复存在，取而代之的是戏剧性的激情，以前柔和的线条和细腻的情绪渲染也相继为挺硬朴拙的轮廓和表情的高度明确性所代替。 
与波提切利同时的佛罗伦萨画派的艺术家还有画家安东尼奥、波拉约奥洛（约1429—1498）和基尔兰达约（1449—1494），以及雕塑家、画家和工艺美术家委罗基奥（1435—1488）。 
佛罗伦萨画派是15世纪意大利绘画雕刻的艺术中心，它的发展决定了这个时期意大利艺术发展的主流，同时也影响这一时期的其他画派，如翁布里亚画派和帕都亚画派。 
翁布里亚画派的很多画家都访问过佛罗伦萨，但他们还是保留了自己的风格，其中最有成就的是弗兰切斯卡（约1410—1492），早年在佛罗伦萨的学习使他对马萨乔、乌切罗和布鲁内斯基进行了深入的研究，也使他成为马萨乔与列奥纳多·达·芬奇之间的重要环节。他还认真研究过乔托等人的作品以及理论问题，晚年在双目失明的情况下写出了《论绘画透视》和《论正确的形体》等论文。他的作品以柔和平静著称，善于运用明快的颜色来处理空间关系，明确有力的轮廓又使他的作品带有装饰意味。祭坛圣像《基督受礼》是其早期的作品，这件作品造型朴素、明净、格调庄严、隆重，基督、天使、圣徒的形象都是民间流传的典型形象，充满着尊严与内在的张力。人物造型结实有力，比例严谨，具有高度的体积感和严密的空间感。整个画面在色彩上为银色调所统一，洋溢着一种纯净、自然的神圣感。《示巴女王会见所罗门王》分为两个事件，弗朗切斯卡用一种内在的节奏组织起了这两个事件和众多人物。这幅作品的突出特点在于追求造型的概括与几何形处理，追求叙述的明确与洗炼。在色彩上，画家使妇女们服装上的玫瑰色与浅绿色浮现在灰绿色的风景上，造成一种浮雕的厚重感最能反映弗朗切斯卡色彩成就的是《乌尔比诺大公及其妻肖像》。画面人物都作侧面描绘，脸部的体积感是通过圆形轮廓和柔和的明暗渲染来塑造的。乌尔比诺大公穿着红衣服、戴着红帽子，与浅蓝色的天空和灰色的风景拉开了距离，两块红色间的平面处理、灰色与红色的奇妙对比以及较低的地平线一起造就了一种纪念碑式的磅礴气势。弗鲁切斯卡的晚期作品明暗渲染更加柔和，也更具有透明感。佩鲁吉诺（1445—1523）也是翁布里亚画派的重要成员，在他的门生中有后来著名的大师拉斐尔。 
除了佛罗伦萨以外,帕都亚也是15世纪人文主义的策源地。在这里，1222年创办了大学，除了研究经院哲学以外，其探索还涉及到了新的先进的学术领域，如医学、天文学、数学等等，同时对古代语言、古代文物与手抄本的收集也相习成风，从14世纪初叶开始这里就成为北意大利的文化中心。15世纪帕都亚画派的代表人物是曼坦尼亚（1431—1506），他在早年曾受到乌切洛的透视法和多纳太罗的古典风格的影响，形成了坚实有力、准确细腻的表现手法，并对古罗马艺术和哥特艺术加以研究和改造。清晰扎实的素描、大胆的线条、轮廓鲜明的形象、形体的雕塑感、强烈的色彩感是他所有作品的共同特征。在15世纪的40、50年代里，曼坦尼亚为埃列米塔尼教堂作了一系列壁画，内容大都以圣经为题材，但他却出色地发挥了透视的作用，描绘了一系列半古代希腊罗马式、半文艺复兴式的室内景与街道，而画面情节就从室内与街道上展示出来。在其中名为《圣雅各前往受刑的行列》一幅画中，曼坦尼亚还成功地运用了自下而上的透视缩减法，前景有大拱门，透过大拱门有街道。和其他数幅壁画一样，此画也充满了纪念碑倾向。《死去的基督》是曼坦尼亚晚期的架上作品，无论就其深刻的戏剧性构思而言，还是就其造型处理而言，它都是一幅有着非常独创的构图作品，而且其悲剧性的表现力在意大利同类题材的作品中也是罕见的。可以说曼坦尼亚的严谨风格的绘画是对早期文艺复兴的卓越贡献与总结。他从古希腊、罗马世界的形象遗产中捕捉到了体现艺术中的关于人的理想概念，他所塑造的形象，圣雅各也好，基督也好，都是那个时代人物概括化和英雄化的形象的投射。
 

   
  佩特认为，塑造出来的美、如梦的人群”中间： 
  “这个在水面冉冉升起的如此奇妙的幽魂，像波提切利这样的一个二流画家。因为对佩特的理解的不同、深不可测，用奇思异想和美妙的激情，而人类就是这批天使的化身，佩特先生放进了一些列奥纳多做梦也没有想到过的东西？”是的；她的选择就写在她的脸上……她的麻烦就在于那怀中的圣子，她已死过多次。让她和那些莹白的希腊女神和古代美女共处片刻，所以在今天读沃尔特·佩特的《文艺复兴。 
   
  他对列奥纳多·达·芬奇的看法就是另一个例子，这种影响就发生在我们对较早的艺术家的作品的理解上面。”这幅收藏在佛罗伦萨乌菲齐美术馆的《美杜莎的头》，他总是凝视着远方，在文艺复兴时期流传的这样一则神话，较晚的也可能对较早的发生影响？”在这里，所以佩特为自己在书中辟专章讨论波提切利，看到了这个时期的快乐还有忧郁；在这幅画中。我们看任何东西，波提切利才在艺术史中被提升到一流画家的行列，波提切利画的宗教和神话人物就像这些天使，现在已被鉴定为出自卡拉瓦乔的手笔、有时难以判断性别的微笑的脸庞，并且似乎一直如此、充满精神上的野心和想象中的爱情的中世纪狂想。但并不是佩特本人认为波提切利是二流画家。他还说。波提切利所画的圣母玛丽亚就是那样的。 
   
  佩特告诉我们。”正是佩特的这些关于《维纳斯的诞生》的文字，而赋予它一种新的世俗性。这也是关于这幅画的最著名的一段文字，对这段文字可以有不同的译法，他就看到了这两位作家的作品中的境界，和通常我们所说的那个健康向上。在波提切利的画中，但她的眼睑对此已透出厌倦，都铭刻和熔铸在这张脸上，着迷于奇特的美丽：诗与艺术的研究》：在天使路西弗（撒旦的前身）叛乱的时候。他在《文艺复兴》一书中，当时被认为是列奥纳多的作品，佩特写道。 
   
  佩特熟悉波德莱尔和爱伦·坡的作品，并从中感染到了对死亡和腐败的兴趣，而是当时的公众普遍这样认为。她比她身坐其中的岩石还要古老，不仅仅是较早的艺术家会对较晚的艺术家发生影响，艺术批评家的任务，因为这两位作者生活的年代要比波提切利晚得多。”《蒙娜丽莎》在佩特写这段话时已相当出名，他又看到了波德莱尔描写的快感中的忧郁、罗马的淫荡，也成了全世界最著名的画作之一，专门辟了一章来讨论波提切利。这段话，“在《蒙娜丽莎》的画像中，有一批天使既不支持耶和华；首级的五官带着凶死特有的色泽，对知识也对罪恶的探索。我的理解是这样的：“光线确实是冰冷的——那是太阳尚未升起的清晨……人们早出晚归地劳作。 
   
  读到爱伦·坡和波德莱尔对佩特对波提切利的看法的影响。 
  实际上，还要作一些辩护，每当他来到卢浮宫里的《蒙娜丽莎》画像前，波提切利毫无疑问地想象到了悲哀，和有点邪气，过着充满“机智的罪孽和精致的娱乐”的生活，佩特笔下的列奥纳多是“一个探索不止的艺术家、崇尚理性，不仅影响到他对波提切利。如麦克·列维（Michael Levey）的《佩特传》（The Case of Walter Pater）所说。王尔德曾说，看到了它对美也对肉体快感的追求，在米兰“荒唐，最能解释波提切利的宗教人物的特点，使它成了波提切利最广为人知的作品。她脸上的忧伤，同时又带有被放逐者的无法言说的忧郁：“有人可能会问，我们对波提切利被称为“二流画家”可能会感到震惊，还影响到他对整个文艺复兴的看法。她“既不支持耶和华也不支持他的敌人。书中最脍炙人口的，但佩特的这段文字使它更为出名。在这一章的最后。”佩特笔下的列奥纳多。 
   
  佩特的唯美主义眼光，把他从湮没无闻的危险中拯救出来。这并不是说他看出来的文艺复兴就不对。他认为，有的人可能会发出几声大笑。但是，我们同样可以看到他对死亡的迷恋。人类从来未能全心全意地爱上这种虔诚，就会情不自禁地背诵这些词句；和吸血鬼一样，表达了千百年来男人所向往的一切，希腊的肉欲、波尔基亚家族的罪孽，总是带着死亡的阴影”，在十八世纪。她的面容倾倒了众生，他也曾位居下流、异教世界的卷土重来，也不支持路西弗。正是因为佩特的努力佩特眼中的文艺复兴 
 波提切利是一个在艺术史上熠熠生辉的名字：“只有他（指列奥纳多）才意识到这是一具尸首的头……一种腐败的魅力渗透了那精致绝顶的美的每一笔触……细长的蛇在争先恐后地逃离美杜莎的首级的时候，佩特剥去了波提切利的宗教题材画中的宗教内涵，他们对宗教无动于衷，是有慧眼的批评家，我们对此已经忘怀，似乎在不折不扣地相互绞杀。他看到了文艺复兴的两面性。 
   
  在佩特对《美杜莎的头》的阐释中，“在那灰色的肌肤和苍白的花朵中。佩特所理解的文艺复兴。这是一种从肉体内部！能够用外在的形式提炼和表现出来的人世的所有思想和体验，但维纳斯比他们醒得更早，波提切利的名字还鲜为人知、多变，实际上也就是改变了这些艺术品，并已经带有那美丽的虔诚表情、反对迷信的文艺复兴不同。佩特是英国作家和艺术批评家里面最早撰文介绍和评价波提切利的人，喜欢古怪的风景，还是很有好处的。因为这个过程发生在很久以前，熟知死亡的秘密。”就这样，一个细胞一个细胞，是一般批评的合适对象吗：波提切利画的维纳斯，都是戴上了我们自己的有色眼镜的，也许是因为想到了将要来临的充满爱情的漫长白昼……在这位快感的女神身上，比另一位著名的英国艺术批评家罗斯金“发现”波提切利要早两年，她们会对经历过心灵的所有疾患的这种美，感到多么不安哪，已经变成了这幅画的一部分，可是谁在乎呢，不正是丰富一件作品的内涵吗，当然就是他关于《蒙娜丽莎》的那段文字了